Eine Dichterin mit den Augen einer Malerin

(Link zum Gedicht „Dämmerung“) 

Es ist mir eine große Ehre, einführende Worte zu Johanna geben zu dürfen. 

Eine Warnung voraus. Der Teufel hat mich geritten, wie ich diese kleine Rede vorbereitet habe. Ich habe nicht nur versucht, etwas zur Lyrik von Johanna aufzuschreiben, ich habe beim Schreiben plötzlich auch versucht, diese ganze Woche in Poggio mit dem Werk von Johanna in eine logische Verbindung zu bringen. Das geht nur, wenn ich ziemlich abstrakt und theoretisch argumentiere. Ich hoffe, Sie sind dazu bereit. Ich hoffe, Sie können sich auf diese Gedanken einlassen und konzentriert zuhören. 

Ich beginne mit einer ziemlich bösen, ja fast destruktiven Frage, die ich zu Beginn einer Lesung von Gedichten eigentlich nicht stellen darf: Kann man Gedichten überhaupt zuhören? Und dazu noch in einer Gruppe? Ich denke, es gibt berechtigte Zweifel daran. Ein Gedicht muss man lesen – und zwar alleine. Zu sehr verrauscht ein Gedicht im Klang des gesprochenen Wortes. Ich habe deshalb einen Vorschlag: Ich will dieses Gedicht im ersten Teil meiner Rede genauer anschauen. Ich will also den Prozess des Hörens verlangsamen, so wie wenn wir den Text lesen würden. Im zweiten Teil werde ich dann sagen, warum ich dieses Gedicht ausgewählt habe.

I.

Das Gedicht „Dämmerung“ geht mit einer alltäglichen Beobachtung los. Es ist nicht mal eine Beobachtung. Es ist eigentlich nur eine ziemlich banale Feststellung. „Der Tag war heiß.“ Das sagt man auf der Piazza, bei einer beliebigen Begegnung. Das ist Small Talk. „Der Tag war heiß.“ Und damit geht das Gedicht los, mit Small Talk.

Doch schon mit der zweiten Zeile ändert sich die Tonlage: „Und aus den Rosen leuchtet noch die Sonne“. Bereits hier, in der zweiten Zeile, eine erste Transformation. Das ist keine banale Feststellung mehr. Small Talk verbietet eine solche Aussage, weil aus Rosen heraus keine Sonne leuchtet. Man könnte vielleicht sagen: „Sonne scheint auf Rosen.“ Aber aus Rosen heraus leuchtet keine Sonne. Soweit der Alltag, auf der Piazza.

Aber: Wir kennen doch alle das Leuchten von Rosen, gerade in der Dämmerung! Auch wenn wir es uns nicht erklären können. Warum können Rosen in der Dämmerung leuchten?

Ein Wort ist bei diesem Satz noch wichtig, das Wort „noch“. „Und aus den Rosen leuchtet noch die Sonne“. Die Vergangenheit des heißen Tages wird mit diesem „noch“ sanft in die Gegenwart eines milden Leuchtens überführt. Eine andere Sonne, die „noch“ aus den Rosen leuchtet. 

Denn, so sagt die nächste Zeile, sie hat den Platz schon verlassen. Wörtlich: „die Sonne, die schon den Platz verlassen hat“. Die Sonne ist gegangen. Sie ist weg. Und wieder ändert sich damit die Tonlage. Hier tritt die Sonne als handelndes Subjekt auf. Sie wird personifiziert. Die Sonne verlässt den Platz, sie verschwindet. Die Sonne geht ab, wie ein Schauspieler von der Bühne. Sie hat uns aber etwas hinterlassen: das Leuchten der Rosen. 

Dieser Abgang ist genauso, wie wenn der Small Talk die Piazza verlässt. Es wird langsam ruhig, leise. Und das Leuchten der Rosen füllt den Raum, das Leuchten der Rosen übernimmt die Regie. So weit, so gut.

Doch nun etwas ganz Neues, etwas ganz Anderes. Am Ende des nächsten Satzes reißt das Gedicht jäh auf: „Es ist die Zeit, in der die dunkle Süße des Jasmins verwundet“. Zu Beginn dieses Satzes können wir noch in der Stimmung schwelgen, die uns allen vertraut ist: Die Dämmerung am Ende eines heißen Tags, die Rosen leuchten, die Sonne ist gegangen, der Jasmin verschwendet seinen süßen Duft. Doch im letzten Wort reißt Schmerz das Gedicht jäh auf: Eine Süße, die verwundet. Ein Leuchten, das verwundet. Eine Schönheit, die verwundet. 

Wir hätten gewarnt sein können, durch das kleine Wort „dunkel“. „Es ist die Zeit, in der die dunkle Süße des Jasmins verwundet“. Dennoch, das trifft uns unvorbereitet. Darauf waren wir nicht gefasst, es fällt uns an. 

Aber der Satz ist noch nicht zu Ende, das Gedicht ist noch nicht zu Ende. Satz und Gedicht schließen mit den Worten: „es ist die Zeit, in der Du wiederkommst“. Aus dem Schmerz, aus der Wunde heraus zeigt sich plötzlich die Autorin. Nun spricht sie selbst. Wir wissen nicht, wen das Du meint. Wir wissen nicht, ob das Wiederkommen ersehnt oder gefürchtet ist. Entscheidend ist, dass in der Dämmerung, im Leuchten der Rosen, in der Süße des Jasmin das Du schon da ist, als Wunde.

Und wir als Leser, wir als Hörer füllen dieses Du mit unseren eigenen Gedanken, unseren eigenen Erinnerungen, unserem eigenen Schmerz.

II.

Ich komme zum zweiten Teil, warum ich dieses Gedicht ausgewählt habe. Der erste Grund ist wieder banal. Es ist das kürzeste Gedicht im Buch und eignet sich deshalb am besten für ein verlangsamtes Hören. Doch es gibt einen zweiten Grund, der mir erst beim Niederschreiben dieser Rede deutlich wurde.

Dieses jähe Aufreißen einer anderen Welt, dieses plötzliche Öffnen einer anderen Dimension finden wir nicht nur in Johannas Gedicht. Wir finden es in dieser Woche in ganz vielen Kunstwerken, hier in Poggio. Es wirkt fast so, als ob sich die Künstler abgesprochen hätten:  

Schrift im Widerspruch zum Straßenpflaster (von Ruben fun Hunter), die antike Antigone gegen die aktuelle Kommunalverwaltung (von Silvano Sbarbati und Patrizia Coduti), Spiegel im barocken Santuario (von Johannes Veit), in der Casa Parocchiale: Spuren im Stein (von Antonella Pieretti) oder Fotos im Foto (von Silvano Sbarbati), die Transformation von Plastik-Abfällen in leichte Luft-Spiele (von Benedikt Stumpf), immer wieder neu aufbrechende Welten im Film „EnZyklop“ (von Ulrike Kaiser), Fenster in Schwarz-Weiß-Linolschnitten in der Krypta (von Florentine Kotter) oder die Blaue Grotte, die den alten Torturm öffnet (von Zoltan Barabas). 

Was verbindet diese so ganz verschiedenen Arbeiten? In allen Arbeiten gibt es ein Zusammenspiel von Rahmen und Öffnung, von Innen und Außen, von Kontext und Content. Es sind (mit wenigen Ausnahmen, wie von Franziska Schmid-Burgk) keine autonomen Werke, die ihre Logik nur aus sich selbst ziehen. Diese autonome Kunst kennen wir von Raffael oder von Picasso. Die Werke hier sind anders. Sie leben aus dem Widerspruch, aus dem Aufreißen einer neuen Dimension. Sie kommunizieren in kontrastvoller Spannung.

Ich stelle mir vor, wie ich in Poggio durch die engen, schattigen, fast beklemmenden Gassen gehe und jäh öffnet sich der Ausblick auf die weite, sonnendurchglühte, endlose Landschaft. Diese Plötzlichkeit, dieser Widerspruch, dieser Kontrast. 

Das wichtigste dabei ist: Beide brauchen sich. Wir würden die Enge Poggios nicht überleben, wenn wir nicht die Weite der Landschaft hätten. Und wir würden die unerbittliche Weite der Landschaft nicht überleben, wenn wir nicht die dunkle, enge Geborgenheit des Stadtraums nicht hätten. 

Die Enge braucht die Weite, der Rahmen braucht die Öffnung, der Spiegel das Gemalte, das „Uh“ das „Insieme“, oder – um auf Johannas Gedicht zurückzukommen – die Süße des Jasmins braucht den Schmerz der Wunde. 

Doch warum haben wir den Schmerz und das Süße gleichzeitig? Wir haben es, um die Sehnsucht des Ich nach dem Du zu wecken. Davon handeln diese „Sette giorni d’arte“ hier in Poggio. Davon handeln viele Werke hier. Das ist die „Grammatik“ dieser Woche: die schmerzliche Sehnsucht des Ich nach dem Du. Und das in einer Zeit, wo in der Politik das Ich, das Ego, die Identität dominiert. Make America great again, make Italy great again, make Britain great again, make Germany great again. Make ME great again.

Ich danke Johanna, dass sie es uns ermöglicht hat, die zarte Stimme der Kunst dagegen zu erheben.

Johanna, eine Dichterin – mit den Augen einer Malerin – und mit dem Herz einer Künstlerin.